Du poisson, des avions et quelques orages: critique du manga “Le chat et le Nuage”

Le Chat et le Nuage est un manga français illustré et écrit par Monica Pasqualini. Voici ma critique !

Le Chat et le Nuage est un manga français… Bon, disons le terme, un manfra (ce mot est difficile à prononcer !) illustré et écrit par Monica Pasqualini. Poétique, magnifiquement dessiné, habite d’adorables personnages hauts en couleurs – et pourtant, c’est un manga en noir et blanc ! Quand deux frères chatons croisent un nuage mignon comme tout qui se révèle être un orage hyper-badass, c’est parti pour la critique garantie 10% Griffure et 90% ULM !

Narration et thèmes

Sur l’île de Koï vivent deux frères orphelins: le grand frère, Rudy, et le petit frère Milo. Alors que le grand s’entraîne pour devenir pêcheur, son petit frère rêve d’aviation. Hélas, la mort des parents de nos protagonistes ont refroidi nos deux chatons de ressortir l’avion du garage.

C’est alors que Hop, un petit nuage tombe du ciel et change la vie de nos deux amis, et s’apprête peut-être à sauver leur village de la météo locale.

Entre les orphelins qui essaient de se construire un avenir, la confrontation fraternelle ponctuée par la pêche dangereuse (non mais la taille du poisson quoi) et la réparation du bi-place, pleins d’arcs narratifs s’entremêlent dans cette oeuvre bien ficelée et adorablement mise en page.

J’ai été surpris par la qualité de l’écriture. En seulement deux Tomes, l’autrice parvient à nous offrir une jolie aventure, dont les arcs sont extrêmement bien pensés, avec des rebondissements éloquants et des résolutions de situations épiques, le tout en nous faisant découvrir un univers chat-oyant pour petits et grands (je suis si fier de mes jeux de mots, mais hélas, je sens que je ne suis pas le premier à l’avoir fait).

Couverture du premier tome – Le chat et le nuage – © Monica Pasqualini

Milo est intrépide, paradoxalement plus courageux que son frère sur certains aspects. Les phobies des personnages et leurs réactions sont super bien mises en scènes, et les relations entre les personnages sont pure, et leurs interactions authentiques. Au programme donc, liberté, amitié, fraternité (j’écris ces lignes après une dissolution de l’assemblée nationale, du coup, les idées fusent, comme vous pouvez le constater).

Hop navigue dans le récit tel un spectateur, en hésitant parfois, souvent à interférer dans le récit. Milo, lui, est en proie à des sentiments telle que la mélancolie alors qu’il contemple le village dans lequel il vit, puis s’éprend d’hyperactivité alors que Hop vient chambouler son quotidien d’apprenti aviateur.

Les arcs narratifs sont pensés pour nous emporter dans les ambivalences des personnages: craintes, amour, deuil… Ils apportent chacun à la trame ce qu’il faut d’insouciance et de gravité.

Graphisme et Esthétique

J’ai été immédiatement séduit par le trait que nous offre le manga. Des petits chats qui partent à l’aventure, un univers kawaï où se rencontrent aviation, île paradisiaque et duo improbable. Si la plupart des gens y verront une référence aux Ghibli et plus particulièrement à Porco Rosso, j’y vois personnellement une référence à Super Baloo (Tales Spin) mélangée à une influence Miyazakienne qui va ensoleiller votre lecture et votre journée (mais pas celle des personnages, sinon, ça marche pas les jeunes) !

Félicitations à Hop qui passe en deux tomes de petite créature fragile à super sayenne qui défonce des orages sans se poser de question. Prends en de la graine San Goku ! Ici, pas de cinq minutes qui tiennent (allez, la référence c’est cadeau).

En bref, les dessins sont mignon comme tout, le character design est syper cool, les décors sont insane. Par contre, c’est interdit aux fumeurs: pas besoin d’ajouter de nuages ici.

On découvre le village des chats, les amis de Rudy qui sont tous dotés de design évidemment amusant.

Quand l’onirique devient univers, quand l’aventure s’envole, quand une amitié se partage. C’est bien, mais c’est trop mignon quoi !

Pour ceux qui cherchent une lecture adorable tout en étant sûr de justifier votre achat à votre moitié en disant « mais non, c’est aussi pour les enfants », « Le chat et le nuage » est une œuvre à lire sans attendre: prenez de la hauteur !

Note: adorable/20  


Le Chat et le nuage, de Monica Pasqualini (Linktree). Disponible sur Amazon.


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Quelles sont les différences entre cross média et transmédia ?

Dans le domaine de la communication et du marketing narratif, les concepts de cross média et transmédia sont fréquemment discutés, notamment dans des secteurs créatifs comme le jeu vidéo, l’animation, la bande dessinée ou les expériences sur site. Bien que ces termes puissent sembler similaires, ils désignent des approches distinctes pour raconter des histoires à travers différents médias. Cet article examine les différences entre le cross média et le transmédia, en se concentrant sur leurs applications dans ces domaines spécifiques.

Cross Média: l’adaptation au coeur de l’expérience

Le cross média consiste à diffuser un même contenu sur plusieurs supports médiatiques, adaptés à chaque format, afin de toucher un public plus large. Voici comment cette approche se manifeste dans les jeux vidéo, l’animation, la bande dessinée et les attractions :

Jeux Vidéo

Dans le domaine des jeux vidéo, une franchise peut être adaptée à différents médias pour maximiser son impact.

  • Exemple : La franchise Assassin’s Creed d’Ubisoft. Le jeu vidéo principal est accompagné de romans, de bandes dessinées, d’un film, et de courts-métrages animés, chacun racontant une version de l’histoire ou offrant des perspectives supplémentaires, mais tous reprenant les éléments centraux de l’univers du jeu. Le film est pour moi un cas d’école, car il porte la volonté d’adapter les éléments scénaristiques issus des premiers jeux (notamment l’arc autour de l’animus, pourtant abandonné dans les suites).

Animation

L’animation peut également bénéficier de l’approche cross média en adaptant ses contenus pour différents canaux.

  • Exemple : La série animée Pokémon. Outre la série télévisée, Pokémon a été adapté en jeux vidéo, cartes à collectionner, films, mangas, et produits dérivés, chacun portant le même univers et personnages.

Bande Dessinée

Les bandes dessinées peuvent être adaptées pour toucher un public plus large à travers différents médias.

  • Exemple : The Walking Dead a commencé comme une bande dessinée avant de devenir une série télévisée à succès, puis des jeux vidéo, des romans, et des produits dérivés. Chaque média adapte l’histoire centrale de la bande dessinée originale. Et je ne parle pas des adaptations dans l’animation et le jeu vidéo qui ne se comptent plus !

Attractions

Les parcs à thèmes et attractions peuvent également exploiter le cross média pour enrichir l’expérience des visiteurs. Ce qui est extrêmement intéressant est la volonté d’adapter un univers le plus fidèlement possible à un moment donné.

  • Exemple : Les attractions basées sur l’univers de Harry Potter dans les parcs Universal Studios. Les livres et films originaux sont complétés par des attractions immersives, des jeux interactifs, et des produits dérivés, permettant aux fans de vivre l’univers de manière tangible. Toujours aux Universal Studios Floride, le land Marvel est précisément une adaptation, contrairement au land Marvel de Disneyland Paris ou on retrouve une diégèse plus proche des films des Studios Marvel.

Transmédia: jamais deux fois la même histoire

Le transmédia, en revanche, va au-delà de la simple adaptation d’un même contenu sur différents supports. Il s’agit de créer une expérience narrative où chaque média apporte une dimension unique à l’histoire globale. On ne raconte jamais deux fois la même histoire, tout en utilisant le format inhérent au support utilisé comme méthodologie de narration. Autrement dit, la plasticité est aussi une manière de concevoir l’histoire transmédia.

Jeux Vidéo

Les jeux vidéo peuvent utiliser le transmédia pour enrichir l’expérience de jeu à travers différents supports.

  • Exemple : Au contraire, le transmédia va au-delà de la simple adaptation d’un même contenu sur différents supports. Il s’agit de créer une expérience narrative où chaque média apporte une dimension unique à l’histoire globale. On ne raconte jamais deux fois la même histoire, tout en utilisant le format inhérent au support utilisé comme méthodologie de narration. Autrement dit, la plasticité est aussi une manière de concevoir l’histoire transmédia. 
  • L’univers de Krosmoz d’Ankama s’étend à travers des romans, des bandes dessinées, des séries animées, et des jeux vidéo. Chaque support offre des détails supplémentaires et des histoires parallèles qui complètent l’expérience globale, tout en pensant chaque médium avec ses spécificités. L’histoire de deux médiums n’est jamais la même, ce qui permet de faire de chaque œuvre un portail d’entrée unique, non indispensable sur l’univers fictionnel.
UNAI: le projet transmédia de GRIFFURE !

Animation

L’animation peut exploiter le transmédia pour créer des histoires immersives et fragmentées.

  • Exemple :The Matrix” de Warner Bros. Outre les films principaux, l’univers de “The Matrix” est exploré à travers des courts-métrages animés (Animatrix), des jeux vidéo, et des bandes dessinées, chacun révélant des aspects uniques de l’histoire globale.

Bande Dessinée

Les bandes dessinées peuvent utiliser le transmédia pour enrichir leur univers narratif.

  • Exemple :Marvel Cinematic Universe” (MCU). Les films de Marvel sont complétés par des séries télévisées, des bandes dessinées, et des contenus web qui explorent différents aspects de l’univers Marvel. Chaque média offre des morceaux de l’histoire globale, incitant les fans à consommer plusieurs supports pour une compréhension complète.

Attractions

Les attractions peuvent intégrer le transmédia pour offrir des expériences immersives et interactives.

  • Exemple :Star Wars: Galaxy’s Edge” dans les parcs Disney. L’expérience du parc est complétée par des applications mobiles interactives, des livres, des bandes dessinées, et des contenus en ligne qui permettent aux visiteurs de s’immerger dans l’univers “Star Wars” et d’en découvrir différentes facettes.

Principales Différences

Cross médiaTransmédia
Approche de la narrationLa même histoire est adaptée à travers différents supports pour maximiser la portée.Chaque média raconte une partie différente et unique de l’histoire globale, nécessitant une exploration active du public.
Interaction et EngagementVise à accroître la visibilité et la répétition du message.Encourage l’engagement interactif et l’exploration à travers divers supports.
Objectifs NarratifsMaximiser l’audience en adaptant le même contenu pour plusieurs plateformes.Créer une expérience immersive où chaque média enrichit l’histoire globale.
Complexité de la créationRelativement simple, avec une adaptation du même contenu pour différents médias.Plus complexe, nécessitant une planification et une coordination étroite pour maintenir une cohérence narrative à travers différents supports.
Les différences entre les différents positionnements clés

Conclusion

Le choix entre une stratégie cross média et transmédia dépend des objectifs créatifs et de l’engagement souhaité avec le public. Le cross média est idéal pour diffuser une histoire de manière cohérente sur plusieurs plateformes, tandis que le transmédia offre une expérience narrative enrichie et interactive. En comprenant ces différences, les créateurs de contenu dans le domaine des jeux vidéo, de l’animation, de la bande dessinée et des attractions peuvent mieux structurer leurs projets pour captiver et engager leur audience.


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Cara.app: l’Instagram pour les artistes garanti sans IA

C’est la nouvelle app du moment: Cara.app, l’Instagram dédié aux artistes garanti sans IA et sans intelligence artificielle générative.

C’est la nouvelle app du moment: Cara.app, l’Instagram dédié aux artistes garanti sans IA et sans intelligence artificielle générative.

Dans un monde où les plateformes de médias sociaux sont de plus en plus dominées par l’intelligence artificielle, les artistes recherchent des espaces plus authentiques pour partager leur travail. Alors que Meta a changé ses conditions d’utilisation pour pouvoir moissonner les informations de ses utilisateurs et entraîner ses outils d’IA via les données de Facebook et Instagram, les artistes se questionnent ces nouvelles pratiques.

Mais de nombreux artistes se demandent s’il reste de la place pour eux sur ces plateformes saturées. Bien que ces services offrent une exposition massive, ils sont souvent dominés par des contenus viraux. Et ces algorithmes favorisent les dérivent telles que le ré-upload non autorisé du travail d’artistes, un manque cruel d’interactions, et accessoirement de quoi nourrir les intelligences artificielles des GAFAM.

Cara.app se positionne comme la solution alternative du moment, offrant une expérience similaire à Instagram, mais exclusivement dédiée aux artistes et, surtout, interdit à l’intelligence artificielle.

Cara.app : L’Instagram des artistes

Cara.app est conçue pour les artistes de tous horizons – peintres, photographes, sculpteurs, illustrateurs, et bien d’autres. L’application se distingue par son interface intuitive et élégante, rappelant celle d’Instagram, mais avec des fonctionnalités spécifiques aux besoins des artistes. Vous pouvez créer un portfolio professionnel, organiser vos œuvres par collections, et même interagir avec une communauté passionnée par l’art.

Ainsi, vous pouvez indiquer l’outil utilisé, le logiciel ou la technique employée pour votre oeuvre.

Un portfolio minimaliste intégré à un réseau social

L’une des caractéristiques phares de Cara.app est son système de portfolio. Contrairement à de nombreuses autres plateformes, Cara.app interdit strictement l’utilisation de l’intelligence artificielle pour l’analyse ou la manipulation des œuvres. Cela garantit que chaque pièce d’art est présentée et protégée exactement comme l’artiste le souhaite, sans intervention technologique.

Tenter de retrouver sa communauté

Cara.app valorise l’interaction humaine et la connexion authentique entre les artistes et leurs admirateurs. Ici, les likes, commentaires et partages sont des expressions sincères d’appréciation, non pas générées ou influencées par des algorithmes. Chaque artiste peut ainsi bâtir une audience fidèle et engagée, basée sur une appréciation véritable de leur travail.


Vous êtes intéressé par Cara ? Rendez-vous sur le site officiel de l’application: Cara.app. Et n’hésitez pas à me suivre sur l’application: @GRIFFURE !

Comment créer ton webtoon ?

Les webtoons sont devenus une forme populaire pour poster des bandes dessinées en lignes. Ces BD scrollables sont hyperengageantes et permettent aux créateurs visuels de raconter des histoires. Si toi aussi tu t’es demandé comment créer ton webtoon, je vais te montrer comment j’ai fait avec le mien !

Développes une idée et une Histoire

Avant de commencer à dessiner votre webtoon, il est essentiel d’avoir une idée solide et bien développée. Penses à l’histoire que tu veux raconter, à la manière dont tu veut questionner le lecteur. N’hésitez pas à développer des fiches personnages pour développer vos idées au travers de vos arcs narratifs !

Tu peux aussi développer une direction artistique en accord avec la thématique que tu veux raconter !

À partir de la diégèse (de l’univers fictionnel) que tu veux construire, développe des arcs narratifs et prévois un arc ou deux sur le long terme !

Cette trame de début te permettra de lancer ton intrigue tout en visant la fin que tu veux sur le long terme.

Allons boire un verre !
Allons boire un verre !

Construire une direction artistique

Le style visuel de ton webtoon joue un rôle crucial dans son attrait pour les lecteurs.

Développes un style artistique cohérent à tes compétences qui correspond à l’ambiance et au ton de ton histoire. Assures-toi que tes personnages soient reconnaissables et que votre mise en page est facile à suivre, même sur un petit écran (même s’il y a toujours le zoom) !

Dessines, conçois, édites, créés sur le logiciel qui te correspond

Pour créer un webtoon de qualité, tu auras besoin d’outils appropriés.

De nombreux artistes utilisent des logiciels de dessin numérique tels que Clip Studio Paint, Procreate ou Adobe Photoshop pour créer leurs œuvres. Choisis bien un logiciel qui correspond à ton style artistique et à ton niveau de compétence. Saches que le dessin numérique n’est pas la seule manière de raconter une histoire: tu peux aussi dessiner sur papier et scanner, faire des collages… Tout est possible hein !

Penser son oeuvre avec la Lecture Verticale

Les webtoons sont lus en faisant défiler verticalement, donc la mise en page de ton histoire doit être adaptée à ce format. Divises chaque épisode en panneaux verticaux et utilises des transitions fluides pour guider les lecteurs à travers l’histoire. Expérimentes avec différents angles de caméra et effets visuels pour créer un récit dynamique et qui accroches ton lecteur

Engager tes lecteur

Interagir avec son public peut être une partie importante de la création d’un webtoon réussi. Utilises les médias sociaux pour partager des mises à jour sur ton travail, demandes des commentaires et créés une communauté autour de ton œuvre.

Réponds régulièrement aux commentaires et aux messages des lecteurs pour les encourager à rester investis dans votre histoire !

La patience !

La création d’un webtoon prend du temps et demande de la patience. Ne te décourages jamais: même si il y a deux vues, c’est un début ! J’ai lancé mon webtoon en français récemment. Je ne penses pas qu’il fonctionne sur le long terme, mais l’important est qu’il m’apporte beaucoup dans ma pratique artistique.

Et si un jour il doit marcher, alors il marchera.

Ayons confiance dans nos créations !


J’espère que cet article t’auras plus ! N’hésites pas à le partager sur tes réseaux et à me suivre sur Facebook, Instagram et Tiktok ! Et découvre mon webtoon: BETACLE – La fin d’un monde !

William-Arno Clément